国吉康雄

国吉康雄は、1889（明治22）年9月1日、父・宇吉と母・以登の一人息子として現在の岡山市北区出石町に生まれた。同市の尋常小学校と高等小学校を卒業後、15歳で岡山県立工業学校（現・岡山県立岡山工業高等学校）染織科に入学したが、1906年に中退して同年夏に単身渡米した。のちに20世紀前半のアメリカを代表する画家となる国吉だが、そもそもはアメリカ生活を夢みて、英語を習得することを目的とした渡航であった。 カナダのバンクーバーと米国ワシントン州シアトルを経て1907年春にロサンゼルスに移り、様々な仕事に就いて収入を得ながら、英語習得のためパブリック・スクールに通った。国吉は言葉が通じないため絵を描いてコミュニケーションを取っていたことから、それが１人の教師の目に留まり、絵の才能を見出されて画家になることを勧められた。そうして国吉は教師の助言に従ってロサンゼルスの美術学校に通いはじめ、昼に働き夜に絵を学ぶという生活を3年間続けた。 本格的に画家を志して1910年秋にニューヨークへ移った国吉は、同じ岡山出身で父の知り合いだった装飾美術家の河邊正夫（1874–1918）のもとに寄宿し、スタジオを手伝いながら絵を学んだ。1914年からインディペンデント・スクール・オブ・アーツに2年間通い、1916年には国吉にとって最重要な美術学校となるアート・スチューデンツ・リーグに入学して4年間学んだ。ここで国吉は優れた教師ケネス・ヘイズ・ミラー（1876–1952）の指導を受けて才能を伸ばし、のちにホイットニー美術館長となるロイド・グッドリッチ（1897–1987）や妻となるキャサリン・シュミット（1899–1978）らの学友とも出会った。同校在学中、ニューヨークにおける前衛的な若手芸術家集団であるペンギン・クラブに加わると、第一次世界大戦の戦禍を避けてパリからアメリカに来ていたジュール・パスキン（1885–1930）と知り合い、親しく交流するようになった。この頃の作品は、《ピクニック》（1919年、福武コレクション、岡山）に代表されるように、タッチやストロークが画面に残る明るい色彩のもので、当時ヨーロッパから紹介されていた印象派やポスト印象派の影響がみられる。 1919年にキャサリン・シュミットと結婚した国吉は、コレクターで批評家、美術家でもあったハミルトン・イースター・フィールド（1873–1922）の援助を受け、冬はブルックリンのアパート、夏はメイン州オガンキットのアトリエを与えられ、制作に集中できる環境が整えられた。1922年にはニューヨークのダニエル画廊で初の個展を開催し、好意的な批評を得て成功を収めた。《乳しぼり》（1921年、和歌山県立近代美術館）や《カーテンを引く子供》（1923年頃、岡山県立美術館）、《二人の赤ん坊》（1923年、福武コレクション）といった1920年代の国吉の初期作品は、アメリカのフォーク・アート（民衆芸術）の影響がみられ、牛や子どもをモティーフにしたユニークな造形のものや、鳥瞰図的な空間処理を行なった幻想的なものが多い。 独特ながら不自然さがつきまとう初期の素朴派的な作風から1930年代のリアリズムへの移行は、1925年と1928年の2度のヨーロッパ旅行が契機となった。国吉に渡欧を勧めたのは、第一次大戦後にパリへと戻っていた友人のパスキンで、滞欧中、彼の助言を受けて国吉は、サーカスを主題とすること、また、ほとんど想像と過去の記憶に基づいて描くそれまでのやり方から、対象を前にして直接リアルなものを描く制作方法を実践するようになったのである。とりわけ女性像は、パスキンのそれに通じる、官能性を秘めた物憂げで気怠そうなものが多くなり、その後、1930年代になると国吉の理想とする「ユニバーサル・ウーマン（普遍的なる女性像）」へと向かっていった。 2度目の滞欧を終えてアメリカへ帰国すると、1929年にニューヨーク近代美術館で開催された「19人の現存アメリカ作家展」に選ばれ、その後、アメリカ画壇で確固たる地位を確立して活躍していくことになる。ちょうどこの年に大恐慌がはじまり、アメリカの社会状況は深刻化し、不穏な空気がアメリカ社会全体を覆うようになっていく。そうした時代性を反映した表現は、《もの思う女》（1935年、福武コレクション）や《バンダナをつけた女》（1936年、福武コレクション）といった物憂げな女性像をはじめ、《ソファーの上の風見など》（1933年、サンタ・バーバラ美術館、カリフォルニア）のような静物画や、《荒天》（1936年、愛知県美術館）のような暗雲立ち込める景色を描いた風景画など1930年代の国吉の絵画に認められる。この間、1931年には父の病気の見舞いのために25年ぶりの日本帰国を果たし、東京と大阪で個展を開催した。翌1932年2月にアメリカへ戻る船上で父の訃報に接し、同年キャサリンと離婚したが、1935年にサラ・メゾ（1910–2006年）と再婚した。1933年には母校のアート・スチューデンツ・リーグの教授職に就き、1936年からはニュー・スクール・フォー・ソーシャル・リサーチでも教鞭をとるようになり、亡くなるまで後進の育成に尽力した。 日本の軍国主義化が進むにつれて日米関係はどんどん悪化し、1941年12月に太平洋戦争が勃発すると、国吉は「敵性外国人」の立場となってしまう。アメリカ市民権を得てはいなかったが、日本人としてアメリカ美術界で地位を確立していた国吉は、アメリカの自由と民主主義の理念を信じ、反戦ポスターを作るなどして日本の軍国主義を批判した。しかし、日米間の対立と戦争に深く心を痛め、その心中の苦悩や孤独感は、作品に暗い影を落とすことになった。1930年代の憂いを帯びた女性像の延長線上にある《誰かが私のポスターを破った》（1943年、個人蔵）や《夜明けが来る》（1944年、岡山県立美術館）、意味深なオブジェが不安定なバランスで組み合わされた《逆さのテーブルとマスク》（1940年、福武コレクション）や《飛び上がろうとする頭のない馬》（1945年、大原美術館、岡山）、《祭りは終わった》（1947年、岡山県立美術館）といった、戦争の暗鬱で不穏な空気が漂う、メッセージ性の強い作品が制作された。 戦後になると1948年にホイットニー美術館（ニューヨーク）において現存画家として初の回顧展が開催され、アメリカ画壇における最大の栄誉を得ることになった。そしてその頃から国吉の作風は結果的に最後の変化を遂げることになる。それまでの作品に特徴的だった「クニヨシ・ブラウン」と呼ばれた独自の茶系の色彩から基調色が鮮やかな薄塗りの朱色や青色に変化し、フレスコ壁画のような絵肌が生まれた。《ミスターエース》（1952年、福武コレクション）に代表されるように、マスクや仮装の不気味な表情の人物が頻繁に登場し、再びサーカスのモティーフが描かれるようになった。そうした最晩年の作品は、鮮やかな色彩と道化やサーカスといった楽し気な主題ではあるものの、画面には深刻な憂鬱さが漂っている。 日米間で自らのアイデンティティを問い続けた国吉は、望んでいた祖国日本での回顧展を実現することなく、また、もうひとつの積年の念願だったアメリカ市民権取得の手続きの完了を目前にして、1953年5月14日に胃癌のために亡くなった。没後まもなくニューヨーク近代美術館で追悼展が開かれ、翌年には東京の国立近代美術館で遺作展が開催され、大阪、名古屋と巡回した。 （橋村 直樹）（掲載日：2023-09-27）