ノグチ, イサム

1904年ロサンゼルスでアメリカ人のレオニー・ギルモアのもとに生まれる。1907年3歳で母に連れられ来日するが、父である日本人の詩人・野口米次郎との関係が曖昧で希薄なまま、東京と神奈川で幼少期を過ごす。1918年13歳で単身渡米し、インディアナ州のインターラーケン・スクールに入学するも到着直後に閉校。学校創設者で実業家のエドワード・ラムリーの庇護下で、スウェーデンボリ派教会牧師マックの家族に預けられ、地元の公立学校に通う。 1922年高校を卒業、彫刻家ガットスン・ボーグラムに短期間弟子入りした後、ニューヨークへ行き、レオナルド・ダ・ヴィンチ美術学校でアカデミックな彫刻を学び頭角を現す。1927年グッゲンハイム奨学金を獲得、パリへ留学。抽象彫刻家コンスタンティン・ブランクーシの助手を務め、抽象作品制作に着手する。1931年来日し、京都でテラコッタ制作。1930年代恐慌下のアメリカでは、肖像彫刻で生計を立てる一方、科学者、発明家、建築家、デザイナーのリチャード・バックミンスター・フラーから影響を受け、エネルギーで構成される世界像や、社会を改革するための発明とデザインに関心を持つ。大気中の電気を可視化する稲妻型の《フランクリンのモニュメント》やアメリカ農業の方向転換を訴える巨大な土の四面体の《犂のモニュメント》（ともに1933年頃）など、奇抜な記念碑を考案するが採用されなかった。メキシコでディエゴ・リベラの監督する壁画プロジェクトに参加し、社会主義的な内容のレリーフ《メキシコの歴史》（1935年、アベラルド・ロドリゲス市場、メキシコシティー）を制作。またこの頃から、前衛舞踏家・振付師のマーサ・グラハムのために舞台装置を作りはじめ、物語の世界を現出させる彫刻とダンスの相乗効果を発見する。 太平洋戦争初期、アリゾナ州のポストン日系人収容所に入り、レクリエーションエリアのデザインやアートセンター計画を通して、芸術による収容者の環境改善を試みた。戦後、ニューヨーク近代美術館の「14人のアメリカ人」展に出品、《クーロス》（1945年、メトロポリタン美術館、ニューヨーク）などの、大理石の板で組み立てたシュールレアリスム彫刻で注目を浴びる。1949年ボーリンゲン基金の助成金を獲得し、「レジャーの環境」調査のため世界旅行へ出発する。ヨーロッパ、エジプト、インド、東南アジアを訪問し、各地のモニュメントや宗教施設を見学した後、1950年占領下の日本に着き復興・記念計画に関わる。建築家の谷口吉郎と協働し、慶應義塾大学新萬來舎（1951年）をデザインし、丹下健三が建築を担当する広島平和記念公園では、橋の欄干（1952年）と慰霊碑（実現せず）をデザインした。また、画家・長谷川三郎、工芸家・剣持勇、陶芸家・北大路魯山人らとも交流し、日本の木工家具や陶芸に新風を吹き込んだ。50年代後半には、パリのユネスコ本部建設に際し、作庭家・重森三玲の案内で採取した徳島の緑泥片岩を用いて、日本庭園のテーマでテラスと庭園を作り、彫らない彫刻の可能性を見出した。 アメリカでも、1940年代中頃から60年代の経済成長期にかけて、モダニズム建築家との協働で、インテリアおよび建物周囲のランドスケープのデザインを精力的に行う。特に、設計事務所スキッドモア・オーウィングズ&メリルの建築家ゴードン・バンシャフトとの協働作品が多く、高層ビルの前庭としてのチェース・マンハッタン銀行プラザ沈床園（1964年、ニューヨーク）や白大理石の床と彫刻からなるイェール大学バイネッケ稀覯本図書館庭園（1963年、ニューヘイブン）が有名である。 1960年代後半、アメリカ連邦政府の公共彫刻プログラムに選ばれ、《黒い太陽》（1969年、シアトル）を制作。これ以降、それまで主流だった企業注文による野外彫刻とランドスケープデザインから、より公共性の高いプロジェクトへ移行し、モニュメント彫刻制作から広場・公園の設計まで多くの公共作品を手掛ける。1970年大阪万国博覧会では、噴水を作り水や光による造形にも挑んだ。晩年はアメリカの都市再生機運の波に乗り、デトロイトのハート・プラザ（1979年）に代表されるような、野外劇場、遊具、噴水などを備えた大型の市民広場や公園の実現に成功する。また、イスラエル美術館ビリー・ローズ彫刻庭園（1965年、エルサレム）で、彫刻作品の野外展示空間のデザインも手掛ける。1930年代より子供の遊び場も考案しており、主な提案先であったニューヨーク公園局による不採用が続いていたが、ようやく横浜のこどもの国（1966年）とアトランタのピードモント公園（1976年）で長年の構想の一部を実現させた。 自律的な彫刻作品では、金属のものもあるが、石の直彫りを重視していた。特に晩年は、花崗岩や玄武岩など硬い素材を生かした作品を多く手掛ける。《咆哮》（1966年、イサム・ノグチ財団・庭園美術館、ニューヨーク）や《輝き》（1982年、同上）に見られるように、石が採掘された時の痕跡や風合いを残しつつ部分的に磨いたり鑿で小さな削り跡をつけたりして、全体を具象的に変形させないスタイルを編み出した。また、《空間のうねり #2》（1968年、イサム・ノグチ庭園美術館、高松）のように、素材が何らかの形になっていく過程そのものや置かれている場の重力を、鑑賞者に想起させるものが多い。1960年代初頭にニューヨークのロングアイランド・シティにアトリエを構え、60年代末からは香川県牟礼町（現・高松市）でも石工・和泉正敏の助けを借りて制作した。 1968年にホイットニー美術館（ニューヨーク）で回顧展を開き、自伝『ある彫刻家の世界』（ロンドン：テームズ＆ハドソン、1967年）を出版。1978–80年には、ウォーカー・アート・センター（ミネアポリス）企画による、舞台装置とランドスケープの全米巡回展「ノグチの想像の風景」が反響を呼んだ。1986年、第42回ヴェネチア・ビエンナーレのアメリカ代表。晩年は京都賞（稲盛財団、1986年）やアメリカ国民芸術勲章（1987年）など多数受賞。1988年ニューヨークで死没。 ニューヨークのアトリエの横には1985年開館のイサム・ノグチ庭園美術館があり、牟礼町のアトリエも1999年に美術館として公開された。ニューヨークの財団・美術館はアーカイブ部門もあり、ノグチが残した大量の史料のデジタル化と無料オンライン公開を実現、オンラインのカタログ・レゾネ編纂にも先駆的に取り組み、調査研究を支援している。美術館外では、死の直前に計画を始めた札幌のモエレ沼公園が2005年に完成したほか、1940年代に商品化されたコーヒーテーブル、岐阜提灯による「AKARI」シリーズ、子供の遊具は現在も生産・販売され、ノグチの遺産は日常生活や公共の空間で今なお存在感を放っている。 ノグチは、自身の仕事はすべて彫刻であると主張しながらも、既存の彫刻の枠を大幅に超える多様な活動を行った。石、金属、土、木など素材そのものを生かしつつ、空間全体を一つの作品と捉え、また、彫刻の社会的意義を重視したことから、20世紀の彫刻史に通底するテーマのいくつかを通して彫刻の本質に迫った作家と言える。さらに、地域と分野を横断する絶え間ない旅と人的交流を通して、芸術界にダイナミックな作用をもたらしたことから、グローバルな視点で芸術家のアイデンティティや造型的影響関係について考える上でも重要な人物である。 （松木裕美）（掲載日：2026-02-04） ＊大型公共作品は構想から完成まで長い時間がかかるため、本文では落成年のみ記した。